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"Arrangement en bleu et argent - La Grande Mer", huile de James Abbott Mcneill Whistler (1834-1903, United States)

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Impression Sur Toile James Abbott Mcneill Whistler , Impression Sur Toile James Abbott Mcneill Whistler
'Arrangement en bleu et argent - La Grande Mer', huile de James Abbott Mcneill Whistler (1834-1903, United States)
Reproduction James Abbott Mcneill Whistler , Reproduction James Abbott Mcneill Whistler



 
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James Abbott McNeill Whistler (Juillet 10, 1834 - Juillet 17, 1903) était un Américain de naissance, artiste britannique à base de. Aversion pour le sentimentalisme et l'allusion morale dans la peinture, il a été un des principaux promoteurs du credo «l'art pour l'art». Sa signature célèbre pour ses peintures a été sous la forme d'un papillon stylisé possédant un dard long pour une queue. Le symbole a été pertinente, car il combine les deux aspects de sa personnalité: son art se caractérise par une délicatesse subtile, tandis que son personnage public était combatif. Trouver un parallèle entre la peinture et la musique, Whistler intitulé plusieurs de ses peintures «arrangements», «harmonies», et «nocturnes», en insistant sur la primauté de l'harmonie tonale. Son tableau le plus célèbre est la fameuse Mère de Whistler (1871), le portrait vénéré et souvent parodié de la maternité. A savoir, dandy, et sans vergogne auto-promoteur, Whistler influencé le monde de l'art et la culture plus large de son temps avec ses théories artistiques et ses amitiés avec les artistes et écrivains.

Début de la vie

Whistler est né à Lowell, Massachusetts. Il était le premier enfant né à Anna Matilda McNeill Whistler et George Washington, un ingénieur de premier plan. Elle était la seconde épouse de son père. Lors du procès Ruskin (voir ci-dessous), Whistler a coûté la plus exotique de Saint-Pétersbourg, en Russie comme son lieu de naissance: «Je serai né quand et où je veux, et je ne choisissent pas d'être né à Lowell", at-il déclaré. Des années plus tard, il jouait de la connexion de sa mère pour l'Amérique du Sud et de ses racines, et se présenter comme un aristocrate pauvres du Sud (même si dans quelle mesure il a vraiment sympathisé avec la cause du Sud pendant la guerre civile américaine reste incertaine). Après sa mort, il adopterait son nom de jeune fille, en l'utilisant comme un prénom supplémentaires.

Young Whistler a été un enfant maussade sujettes à des crises de colère et de l'insolence, qui, après des périodes de mauvaise santé, souvent dérivé vers des périodes de paresse. Ses parents ont découvert dans sa jeunesse que le dessin souvent lui s'installe et a contribué à attirer son attention.

La Russie et l'Angleterre

À compter de 1842, son père était employé à travailler sur un chemin de fer en Russie. Après avoir déménagé à Saint-Pétersbourg pour rejoindre son père un an plus tard, le jeune Whistler a pris des leçons d'art privées, puis s'inscrit à l'Académie impériale des Beaux-Arts à onze ans. La jeune artiste a suivi le cursus traditionnel du dessin de moulages en plâtre et parfois des modèles vivants, se délectait dans l'atmosphère de parler d'art avec des pairs plus âgés, et heureux de ses parents avec une marque de première classe en anatomie. En 1844, il a rencontré le célèbre artiste Sir William Allan, qui est venu en Russie avec une commission chargée de dresser un historique de la vie de Pierre le Grand. la mère de Whistler a noté dans son journal, "le grand artiste me disait« Votre petit garçon a du génie rare, mais ne pas le pousser au-delà de son penchant. "

En 1847-8, sa famille a passé quelque temps à Londres avec des parents, tandis que son père est resté en Russie. Whistler frère-frère Francis Haden, un médecin qui était aussi un artiste, sous l'impulsion de son intérêt pour l'art et la photographie. Haden a Whistler pour visiter les collectionneurs et à des conférences, et lui donna une aquarelle mis à l'instruction. Whistler était déjà imaginer une carrière artistique. Il a commencé à collecter des livres sur l'art et il a étudié les techniques d'autres artistes. Son père, cependant, est mort du choléra à l'âge de quarante-neuf, et la famille retourne à Whistler ville natale de sa mère de Pomfret, au Connecticut. Ses plans d'art est resté vague et son avenir incertain. La famille vivait frugalement et a réussi à obtenir par un revenu limité.

West Point

Whistler a été envoyé à Christ Church Hall School avec de grands espoirs de sa mère qu'il deviendrait un ministre. Whistler a été rarement sans son carnet de croquis et était populaire auprès de ses camarades de classe pour ses caricatures. Cependant, après il est devenu évident qu'une carrière dans la religion ne lui convenait pas, il a demandé à l'Académie militaire américaine de West Point, où son père avait enseigné le dessin, et d'autres parents avaient assisté. Sur la foi de son nom de famille, et en dépit de sa myopie extrême et de l'histoire en mauvaise santé, il a été admis à l'institution hautement sélectif. Cependant, durant ses trois années là-bas, ses notes ont été peu satisfaisante, et il a été un triste spectacle au maniement des armes et des vêtements. Connu sous le nom "Curly" pour sa longueur de cheveux qui dépassait les exigences réglementaires, Whistler résisté à l'autorité, jaillissant des commentaires sarcastiques, et a accumulé les inconvénients. Sa principale réalisation a été d'apprendre le dessin et la cartographie de l'artiste américain Robert W. Weir.

Son départ de West Point semble avoir été précipitée par un échec dans un examen de chimie où, lorsqu'on lui a demandé de décrire de silicium, il a commencé en disant: «Le silicium est un gaz." Comme il dit lui-même plus tard: «Si le silicium était un gaz, j'aurais été un général un jour." Toutefois, une anecdote séparée suggère une faute dans l'élaboration de classe comme la raison du départ de Whistler.

Premier emploi

Après West Point, Whistler a travaillé comme dessinateur de cartographie de toute la côte des États-Unis à des fins militaires et maritimes. Il a trouvé le travail ennuyeux et il était souvent en retard ou absents. Il a passé une grande partie de son temps libre à jouer au billard et au ralenti sur, a toujours été battu, et même si un charmeur, avait peu connaissance avec les femmes. Après, on a découvert qu'il était dessin serpents de mer, des sirènes, et les baleines sur les marges des cartes, il a été transféré à la division de gravure de l'Enquête sur la US Coast. Il a duré il ya seulement deux mois, mais il a appris la technique de gravure qui plus tard s'est avérée précieuse pour sa carrière.

À ce stade, Whistler fermement décidé que l'art serait son avenir. Pour quelques mois, il vivait à Baltimore avec un riche ami, Tom Winans, qui a même fourni Whistler avec un studio et un peu d'argent de dépenses. La jeune artiste a fait quelques précieux contacts dans la communauté artistique et a également vendu quelques toiles tôt pour Winans. Whistler a rejeté les suggestions de sa mère pour d'autres carrières plus pratiques et l'a informée que l'argent de Winans, il partait de poursuivre sa formation artistique à Paris. Whistler n'est jamais retourné aux États-Unis.

étudier l'art en France

Whistler est arrivé à Paris en 1855, a loué un studio dans le quartier latin, et ont rapidement adopté la vie d'un artiste bohème. Bientôt, il avait une petite amie française, une couturière nommée Héloïse. Il a étudié les méthodes traditionnelles d'art pendant une courte période à l'Ecole Impériale et à l'atelier de Marc-Charles-Gabriel Gleyre. Ce dernier a été un grand défenseur de l'œuvre d'Ingres, et impressionné Whistler avec deux principes qu'il a utilisés pour le reste de sa carrière: la ligne est plus importante que la couleur et que le noir est la couleur fondamentale de l'harmonie tonale. Vingt ans plus tard, les impressionnistes en grande partie renverser cette philosophie, l'interdiction des noirs et bruns "couleurs interdites» et mettant l'accent sur la couleur sur la forme.

Whistler préféré d'auto-apprentissage (y compris la copie au musée du Louvre) et profiter de la vie des cafés. Les lettres de la maison fait état d'efforts de sa mère à l'économie, Whistler dépensé librement, vendus peu ou rien dans sa première année à Paris, et a été en constante de la dette. Pour remédier à la situation, il a pris à la peinture et la vente de copies qu'il a faite au Louvre et s'installe définitivement à meilleur marché quarts. Comme par hasard aurait-il, l'arrivée à Paris de George Lucas, un autre ami riche, a contribué à stabiliser les finances de Whistler pendant un certain temps. En dépit d'un répit financier, l'hiver de 1857 a été une année difficile pour Whistler. Son mauvais état de santé, aggravées par le tabagisme excessif et potable, l'abattit.

La situation s'est améliorée au cours de l'été 1858. Whistler récupéré et a voyagé avec l'artiste Ernest Delannoy à travers la France et la Rhénanie. Plus tard, il a produit un groupe de gravures connu sous le nom "Les Français," avec l'aide de la langue française le maître imprimeur Auguste Delâtre. Au cours de cette année, il peint son premier autoportrait, portrait de Whistler avec le chapeau, qui rappelle le travail sombre et épaisse rendu de Rembrandt. Mais l'événement de plus grande conséquence de cette année a été son amitié avec Henri Fantin-Latour, qu'il a rencontré au Louvre. Grâce à lui, Whistler a été introduit dans le cercle de Gustave Courbet, qui comprenait Carolus-Duran (plus tard, le professeur de John Singer Sargent), Alphonse Legros, et Édouard Manet.

Aussi dans ce groupe était Charles Baudelaire, dont les idées et les théories de "moderne" art a influencé Whistler. Baudelaire contesté artistes pour contrôler la brutalité de la vie et de la nature et de la présenter fidèlement, en évitant les vieux thèmes de la mythologie et l'allégorie. Théophile Gautier, l'un des premiers à explorer les qualités de translation entre l'art et la musique, peut-être inspiré Whistler pour voir l'art en termes musicaux.

Londres

Reflétant la bannière du réalisme de son entourage a adopté, Whistler peint sa première oeuvre exposée, la Mère Gérard en 1858. Il la suivit par la peinture Au Piano en 1859 à Londres, où il a adopté comme son domicile, alors aussi régulièrement visite à des amis en France. Au Piano est un portrait composé de sa nièce et sa mère dans leur salle de musique de Londres, un effort qui a clairement affiché son talent et de promesses. Le travail est sentimental et contraste efficacement la mère en noir et la fille en blanc, avec d'autres couleurs gardé maîtrisés de la manière conseillé par son professeur de Gleyre. Il a été affiché à la Royal Academy l'année suivante, et à de nombreuses expositions à venir.

Dans un deuxième tableau exécuté dans la même pièce, Whistler a démontré son penchant naturel vers l'innovation et la nouveauté par la structuration d'une scène de genre avec une composition inhabituelle et des raccourcis. Plus tard, il a été ré-Harmony titré en vert et rose: Le Salon de Musique. Cette peinture a également démontré modèle de Whistler travaux en cours, notamment avec des portraits: un démarrage rapide, des ajustements importants, une période d'oubli, puis une vague finale de l'arrivée.

Après un an à Londres, en contrepoint à ses 1858 mis en français, en 1860, il a produit une autre série de gravures appelée Thames Set, ainsi que certains travaux début impressionniste, y compris la Tamise dans la glace. A ce stade, il commençait à établir sa technique de l'harmonie tonale repose sur un nombre limité, la palette de pré-déterminé.

Début de carrière

En 1861, après son retour à Paris pour un temps, Whistler peint son premier ouvrage célèbre, la Symphonie en blanc, n ° 1: La Fille blanche. Le portrait de sa maîtresse et gestionnaire d'entreprise Joanna Hiffernan a été créé comme une simple étude en blanc, mais d'autres, il voyait les choses différemment. Le critique Jules Castagnary pensé la peinture une allégorie de l'innocence perdue une nouvelle épouse de. En Angleterre, certains considéraient comme un tableau de la manière préraphaélite. Dans la peinture, Hiffernan tient un lys à la main gauche et se dresse sur un tapis en peau d'ours avec la tête de l'ours regarde menaçant le spectateur. Le portrait a été refusé à l'exposition à la Royal Academy conservatrice, mais en 1863 il a été admis au Salon des Refusés à Paris, un événement parrainé par l'empereur Napoléon III pour l'exposition des œuvres refusées par le Salon.

la peinture de Whistler a été largement remarqué, bien que relégué au second plan par la peinture de Manet sur déjeuner Le plus choquant de l'herbe. Lutte contre la critique par les traditionalistes, les partisans de Whistler a insisté pour que la peinture était «une apparition avec un contenu spirituel» et qu'il incarne sa théorie selon laquelle l'art doit se préoccuper essentiellement de l'agencement des couleurs en harmonie, non pas avec une représentation littérale du monde naturel.

Deux ans plus tard, Whistler peint un autre portrait de Hiffernan en blanc, cette fois montrer son nouvel intérêt dans les motifs asiatiques, qu'il a intitulé The Little White Girl. Son Dame de la Terre et Lijsen L'écran d'or, tous deux achevés en 1864, nouveau portrait de sa maîtresse, en robe encore plus emphatique d'Asie et ses environs. Au cours de cette période de Whistler est devenu proche de Courbet, le chef de file au début de l'école réaliste française, mais quand Hiffernan modélisés dans le nu de Courbet, Whistler est devenu furieux et sa relation avec Hiffernan a commencé à s'écrouler. En Janvier 1864, la mère très religieuse et très bon Whistler est arrivé à Londres, bouleversant l'existence bohème de son fils et temporairement exacerber les tensions familiales. Comme il l'écrit à Henri Fantin-Latour, «bouleversement général! J'ai eu à vider ma maison et de le purifier de la cave au débord de toit." Il a également immédiatement déplacé Hiffernan à un autre endroit.

carrière d'âge mûr
Nocturnes

En 1866, Whistler a décidé de visiter Valparaiso, au Chili, un voyage qui a intrigué les chercheurs, bien que Whistler a déclaré qu'il l'a fait pour des raisons politiques. Le Chili était en guerre avec l'Espagne et peut-être Whistler pensé que c'était une lutte héroïque d'une petite nation contre une plus grande, mais aucune preuve appuie cette théorie. Ce que le voyage ne s'est produit a été Whistler trois premiers tableaux nocturnes-qu'il qualifie de «clairs de lune" et, plus tard rebaptisé en "nocturnes" scènes de nuit du port peint avec une palette de bleus ou vert clair. Après son retour à Londres, il peint plusieurs nocturnes plus au cours des dix prochaines années, de nombreux de la Tamise et des jardins de Cremorne, un parc de plaisance réputé pour ses fréquents feux d'artifice, qui a présenté un nouveau défi à la peinture. Dans ses nocturnes maritime, Whistler utilisé très dilué la peinture comme un terrain avec des couleurs légèrement dévié de suggérer des navires, des lumières, et la terre en ligne. Certaines des peintures Thames aussi montrer les similitudes de composition et thématiques avec les estampes japonaises de Hiroshige.

En 1872, Whistler crédité son patron Frederick Leyland, un musicien amateur consacré à Chopin, pour ses titres d'inspiration musicale. - Je dis que je ne vous remercierai jamais trop pour le nom de "Nocturne" comme un titre pour mon clairs de lune! Vous n'avez pas idée de ce que cela prouve une irritation de la critique et par conséquent le plaisir de me-d'ailleurs il est vraiment si charmant et si poétiquement ne dire tout ce que je veux dire et pas plus que je veux!

À ce moment, Whistler peint une autre auto-portrait et lui donnait le droit Arrangement en gris: Portrait du peintre (c. 1872), et il a également commencé à re-titre bon nombre de ses œuvres antérieures en utilisant des termes associés à la musique, comme un nocturne " »,« symphonie »,« harmonie »,« étude »ou« arrangement », de souligner les qualités tonales et la composition et de souligner le contenu narratif. Nocturnes de Whistler ont été parmi ses œuvres les plus novatrices. En outre, sa présentation des nocturnes plusieurs marchand d'art Paul Durand-Ruel, après la guerre franco-prussienne a Whistler l'occasion d'expliquer son évolution «théorie de l'art" pour les artistes, les acheteurs, et les critiques en France. Son bon ami de Fantin-Latour, de plus en plus réactionnaire dans ses opinions, en particulier dans sa négativité concernant la nouvelle école impressionniste, a trouvé de nouvelles œuvres de Whistler est surprenant et déconcertant.

Whistler's Mother

En 1871, Whistler retour aux portraits et produisit bientôt son tableau le plus célèbre, la figure presque monochromatique pleine longueur intitulé Arrangement en gris et noir: Portrait de la mère de l'artiste, mais le plus souvent sous le nom de Mère de Whistler. Selon une lettre de sa mère, un jour après un modèle de défaut de comparaître, de Whistler se tourna vers sa mère et lui a suggéré de faire son portrait. A sa manière généralement lente et expérimentale, dans un premier temps, il avait son stand, mais qui s'est avérée trop fatiguant de sorte que le célèbre profil pose a été adopté. Il a fallu des dizaines de séances pour terminer.

Le portrait austère dans sa palette normalement limitée est un autre exercice de Whistler dans l'harmonie tonale et de la composition. La conception d'une simplicité trompeuse est en fait un acte d'équilibrage de formes différentes, en particulier rectangles du rideau, photo sur le mur, mur, sol et qui stabilisent la courbe de son visage, l'habillement, et une chaise. Encore une fois, bien que sa mère fait l'objet, Whistler a fait remarquer que le récit a été de peu d'importance. En réalité, cependant, il était un hommage à sa pieuse mère. Après le choc initial de son déplacement avec son fils, elle l'aida considérablement en stabilisant son comportement quelque peu, ce qui tend à ses besoins domestiques, et en fournissant une aura de respectabilité conservatrice qui a aidé à gagner sur les usagers.

L'Académie royale rejetée, elle, puis elle a accepté à contrecoeur, après lobbying par Sir William Boxall, mais ensuite accroché la peinture dans une situation défavorable à son exposition. Dès le début, Mère de Whistler a suscité des réactions diverses, y compris la parodie, le ridicule, et la révérence, qui ont continué à aujourd'hui. Il a été caricaturé dans des variations infinies de cartes de souhaits et magazines, et par des personnages de dessins animés tels que Donald Duck et Bullwinkle le Moose. Whistler a fait sa part dans la promotion de l'image et la vulgarisation de l'image. Il a souvent il présentait et a autorisé le début des reproductions qui ont fait leur chemin dans des milliers de maisons.

La peinture a failli être brûlé dans un incendie à bord d'un train pendant le transport. Plus tard, la peinture a été achetée par le gouvernement français, la première œuvre de Whistler dans une collection publique, et se trouve maintenant dans le Musée d'Orsay à Paris.

Durant la Grande Dépression, la photo a été présenté comme «un million de dollars" la peinture et a été un grand succès à l'Exposition universelle de Chicago. Il a été accepté comme une icône universelle de la maternité par le public à travers le monde, ce qui n'était pas particulièrement conscients ou concernées par les théories esthétiques de Whistler. En reconnaissance de son statut public et la popularité, les États-Unis a émis un timbre en 1934 avec une adaptation de la peinture.

D'autres portraits

D'autres portraits important par Whistler comprennent ceux de Thomas Carlyle (historien, 1873), Maud Franklin (sa maîtresse, 1876), Cicely Alexander (fille d'un banquier de Londres, 1873), Lady Meux (mondaine, 1882), et Théodore Duret (porte-parole , 1884). Dans les années 1870, Whistler peint des portraits longueur de FR Leyland et sa femme Frances. Leyland a ensuite commandé l'artiste pour décorer sa salle à manger (voir Peacock Room ci-dessous).

Whistler en scène son premier spectacle solo en 1874. Le spectacle a été remarquable et remarqué, cependant, pour la conception de Whistler et de la décoration de la salle, qui s'harmonisait bien avec les peintures, en rapport avec ses théories de l'art. technique de rechange Whistler et sa répugnance à flatter ses modèles, ainsi que sa notoriété peut en tenir compte. Il a également travaillé très lentement et demanda séances extraordinairement long. William Merritt Chase s'est plaint de sa séance pour un portrait par Whistler, «Il s'est avéré être un véritable tyran, la peinture tous les jours dans le crépuscule, tandis que mes jambes me faisaient mal de fatigue et ma tête tournait vertigineusement.« Ne bouge pas! Ne pas ça bouge! "il criait chaque fois que j'ai commencé de se reposer." Au moment où il a acquis une large acceptation dans les années 1890, Whistler a été le passé de son premier en tant que portraitiste.

procès Ruskin

En 1877, Whistler a poursuivi le porte-parole de John Ruskin pour diffamation après que le porte-parole a condamné sa peinture en noir et or Nocturne: Le Rocket de chute. Néanmoins, le jury a rendu un verdict en faveur de Whistler, mais elle a accordé un sou de simples dommages-intérêts symboliques, et les frais de justice ont été partagés. Le coût de l'affaire, avec d'énormes dettes de la construction de sa résidence, mené à la faillite en mai 1879, résultant en une vente aux enchères de son travail, collections, et la maison. Stansky note l'ironie que la Fine Art Society de Londres, qui avait organisé une collecte pour payer les frais juridiques de Ruskin, l'ont soutenu dans la gravure "les pierres de Venise» (et en présentant la série en 1883) qui a aidé à récupérer les coûts de Whistler.

Whistler a publié son compte rendu du procès dans la brochure Whistler c. Ruskin: l'art et critiques d'art en Décembre 1878, peu de temps après le procès. l'espoir grand de Whistler que la publicité du procès est de sauver sa carrière en pointillés que les clients lui éviter pour les années à venir. Parmi ses créanciers a été Leyland, qui a supervisé la vente de biens de Whistler. Whistler fait caricatures de son ancien patron, dont une peinture satirique mordant appelé la croûte d'or, juste après Whistler a déclaré faillite. Whistler toujours blâmé Leyland pour sa chute financière.

Les dernières années

Après le procès, Whistler a reçu une commission de faire douze eaux-fortes de Venise. Il accepta avec empressement la mission, et est arrivé dans la ville avec sa petite amie Maud, en tenant chambres dans un palais délabré qu'ils partagent avec d'autres artistes, y compris John Singer Sargent. Bien que la nostalgie de Londres, il a adapté à Venise et se mit à la découverte de son caractère. Il fit de son mieux pour se distraire de la tristesse de sa situation financière et la vente imminente de tous ses biens chez Sotheby's. Il a été un invité régulier de parties au consulat américain, et avec son esprit habituel, a enchanté les invités avec des fioritures verbales telles que «seulement l'artiste vertu positive, c'est l'oisiveté -. Et il ya si peu doués à elle"

Whistler influencé la communauté de l'art américain à Venise, en particulier Frank Duveneck et Robert Blum, qui émulé vision de Whistler de la ville et plus tard répandre ses méthodes et son influence en Amérique. De retour à Londres, il a participé activement à exposer son travail d'autres, mais avec un succès limité. Bien qu'il soit encore en difficulté financière, cependant, qu'il était encouragé par l'attention et l'admiration qu'il a reçu de la jeune génération de peintres anglais et américains qui firent de lui leur idole et adopté avec enthousiasme le titre de "l'élève de Whistler". Beaucoup d'entre eux revint en Amérique et les contes de propagation de l'égoïsme provocateur de Whistler, esprit vif, et les déclarations esthétique instituant la légende de Whistler, beaucoup à sa grande satisfaction.

Whistler a publié son premier livre, dix heures de conférences en 1885, une expression majeure de sa croyance dans "l'art pour l'art". À l'époque, la notion adverse victorienne régnait, à savoir, que l'art, et même beaucoup l'activité humaine, a une fonction morale ou sociale. Pour Whistler, cependant, l'art était sa propre fin et la responsabilité de l'artiste n'était pas à la société, mais à lui-même, à interpréter à travers l'art, et à moraliser ni reproduire ni ce qu'il a vu. En outre, il a déclaré, «La nature est très rarement le droit", et doit être améliorée par l'artiste, avec sa propre vision.

Bien que différentes avec Whistler sur plusieurs points, y compris son insistance que la poésie était une forme supérieure d'art que la peinture, Oscar Wilde a été généreux dans ses éloges et a salué la conférence un chef-d'œuvre.

Whistler, cependant, se crut moqué par Oscar Wilde, et dès lors, sparring public a suivi conduisant à un effondrement total de leur amitié. Plus tard, Wilde a frappé à nouveau à Whistler, en fondant l'artiste assassiné dans son roman Le Portrait de Dorian Gray, après Whistler.

En Janvier 1881, Anna Whistler est mort. En l'honneur de sa mère, par la suite, il a adopté son nom de jeune fille McNeill comme deuxième prénom.
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James Abbott McNeill Whistler (July 10, 1834 - July 17, 1903) was an American-born, British-based artist. Averse to sentimentality and moral allusion in painting, he was a leading proponent of the credo "art for art's sake". His famous signature for his paintings was in the shape of a stylized butterfly possessing a long stinger for a tail. The sym...
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James Abbott McNeill Whistler (10. Juli 1834 - 17. Juli 1903) war ein amerikanischer geboren, British lebenden Künstlers. Abgeneigt Sentimentalität und Moral Anspielung in der Malerei war er ein Verfechter des Credo "Kunst um der Kunst willen". Seine berühmte Unterschrift für seine Gemälde wurde in der Form eines stilisierten Schmetterling besitzt ...
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James Abbott McNeill Whistler (10 lug 1834 - 17 luglio 1903) è stato un americano di nascita, artista britannico-based. Avversi al sentimentalismo e allusione morale nella pittura, fu uno dei principali promotori dell '"arte per l'arte", credo. La sua firma famosa per i suoi dipinti aveva la forma di una farfalla stilizzata in possesso di un pungig...
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James Abbott McNeill Whistler (10 julio 1834 hasta 17 julio 1903) fue un estadounidense de origen, la artista británica. Aversión al sentimentalismo y la alusión moral en la pintura, era un de los principales defensores del credo de "arte por el arte". Su firma famosa por sus pinturas fue en la forma de una mariposa estilizada que poseen un aguijón...
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